Justin y la Espada del valor

Antonio Banderas continúa apostando por el cine de animación español y tras el Lince Perdido vuelve a presentarnos como productor un nuevo producto de la factoría malagueña Kandor Graphics, Justin y la Espada del valor.
Esta aventura dirigida especialmente al público más infantil nos cuenta la historia del joven Justin, obligado a seguir los pasos de su padre y convertirse en abogado en un reino gobernado por burócratas donde, al igual que ocurriera en Star Wars con los Jedi, los caballeros han sido desterrados y prácticamente han desaparecido como orden.
Justin tiene un sueño, seguir los pasos de su abuelo el gran caballero Rolando y convertirse en uno de los míticos caballeros del valor. Y como suele ocurrir en cualquier película de aventuras nuestro protagonista se embarcará en una búsqueda, en este caso para encontrar la legendaria espada de su abuelo Rolando, en un viaje plagado de peligros que le cambiará por completo, y de este modo veremos como al finalizar la película, Justin ha logrado su sueño y alcanzado su destino.
Pero Justin no estará slo en su viaje, le acompañan la guapa y rebelde Talía, a la que presta su voz la actriz Inma Cuesta en la versión española, Sir Antoine, un pícaro mocetón con ínfulas de poder y riquezas al que presta su voz el propio Antonio Banderas, y el divertido Melquiades, un excéntrico hechicero con trastornos de personalidad evidentes, que a más de uno le recordará al televisivo y nunca olvidado Carlos Jesus, en un más que obvio "homenaje".
Entrenado por Blucher, Legantir, y Braulio, tres sabios monjes, antiguos caballeros retirados, Justin conseguirá su propósito no sin antes enfrentarse a una banda de malhechores liderada por Heraclio, un caballero rebelde que fue expulsado de la orden de los caballeros del valor y cuyo plan es derrocar a la Reina y hacerse con el control absoluto del Reino.
Como ya hemos dicho anteriormente, Justin es una agradable película de aventuras con referencias a los mitos artúricos, dirigida especialmente a un público infantil que disfrutará de lo lindo con algunos de los personajes que aparecen en la película, pero que quizá acaba olvidándose un poco del espectador adulto al que no hace concesiones prácticamente en ningún momento de la película, si exceptuamos algunos momentos puntuales y sobre todo las apariciones del personaje de Melquiades que pueden hacer reír al espectador talludito.
A su favor hay que reconocer que tanto el diseño de personajes como la factura técnica de Justin y la Espada del valor son exquisitos, y en ese sentido la modesta Kandor Graphics puede competir sin complejos con las grandes factorías de animación 3D como Pixar o Dreamworks, aunque quizá deban mejorar en el aspecto de cuidar algo más la historia, los diálogos y la construcción de sus personajes, si además de entretener al niño que va a a ver la película, quieren cautivar a los padres que le acompañen al cine.
En definitiva, una película técnicamente irreprochable que podría haber dado más de sí, y que, sin duda, conseguirá acertar de pleno con el público infantil a la que va dirigida.

Asalto al poder

¿Alguien lleva la cuenta de las veces que Roland Emmerich ha destruído en sus películas La Casa Blanca? Pues sumen una más, amigos. Como ya habréis podido comprobar en los trailers, incluso en el cartel de la película, en Asalto al poder, (White House Down en su título original), Emmerich se da el gustazo y una vez más hace volar por los aires el hogar del Presidente de los Estados Unidos, todo un símbolo para los estadounidenses.
El alemán es uno de esos directores cuya filmografía ha sido casi siempre vapuleada por la crítica, pero sin embargo la mayor parte de sus producciones han sido apoyadas por el gran público que siempre responde de manera positivia y acude en masa a ver sus películas palomiteras con la única y sana intención de pasar un rato entretenido en la butaca del cine.
A la espera de la anunciada secuela de Independence Day, uno de los mayores éxitos del director, y tras la personal y entretenida Anonymous, llega esta cinta de acción con ligeros toques de comedia que hará las delicias de los amantes de los blockbusters veraniegos y sobre todo de las películas de acción noventeras, de las que Asalto al poder bebe bastante.
La historia nos cuenta como un grupo de mercenarios se hace con el control de La Casa Blanca con la intención de secuestrar al Presidente de Estados Unidos, con oscuras y aviesas intenciones que no quiero desvelar para que el disfrute del visionado del film sea completo. Pero claro, como ocurriera en la ya clásica Jungla de Cristal, los terroristas deberán vérselas con John Cale, un agente especial que pasaba por allí para una entrevista de trabajo y como ya le suceciera al bueno de John McClane, se encontraba en el momento y lugar equivocados y para colmo, acompañado de su hija.

Partiendo de un argumento tan delirante como divertido, Emmerich sabe perfectamente que teclas tocar para hacer disfrutar al espectador, sobre todo al estadounidense que gozará y sufrirá a partes iguales con algunas de las espectaculares escenas del film.

Channing Tatum, uno de los jóvenes valores del Hollywood actual, se nos presenta aquí como el McClane del Siglo XXI, y no lo hace del todo mal sabiendo conjugar de manera efectiva las escenas de acción con las escenas humorísticas, como ya hiciera en la imprescindible y divertida Infiltrados en clase.
Tatum contará con un inesperado compañero de fatigas, al más puro estilo de las buddy movies, ni más ni menos que James Sawyer, el Presidente de Estados Unidos, interpretado por el solvente Jamie Foxx, que lo mismo interpreta a un esclavo liberado en Django Desencadenado, como al villano Elektro (Arrives) que se enfrenta a Spider-man en la secuela de The Amazing Spider-man de próximo estreno, como a un "obamizado" presidente de los Estados Unidos.

Completan el reparto actores conocidos como Maggie Gyllenhaal, Jason Clarke, Richard Jenkins, destacando a dos por encima del resto: el veterano James Woods que está inmenso y la niña Joey King que da todo un recital y que pese al papel que interpreta de niña repelente sabelotodo no está para nada cargante.

Acción a raudales, espectaculares escenas de vuelos de helicópteros, peleas, tiroteos, villanos over the top, humor, guías turísticos desatados y mucho más encontraréis en esta entretenida película de Emmerich, un honesto director que sabe dar al público justo lo que pide, y que en ésta, su última película hasta la fecha, continúa haciendo el mismo tipo de cine palomitero con el que ha sabido conquistar la taquilla durante años, y cuyos únicos peros quizá sean su excesivo metraje y un final bastante vergonzante que a más de uno le puede provocar un inesperado subidón en el nivel de azúcar.

Tú eres el siguiente

La algarabía y el entusiasmo de las opiniones de algunos tuiteros nos hacen pensar que Tú eres el siguiente, película que acaba de estrenarse en nuestro país, acabará convirtiéndose gracias al boca-oreja en una película de culto, y yo que me alegraría si eso ocurriese.
Pero qué encontrará el espectador que acuda al cine a ver Tú eres el siguiente. Si hacemos caso de los trailers y de la campaña de promoción, da la impresión de que nos encontramos ante una película de terror del subgénero slasher con un nuevo asesino con máscara al estilo del Jason de Viernes 13. Y nada más lejos de la realidad, ya que aunque Tú eres el siguiente coquetea con la atmósfera, el ritmo y los elementos típicos del slasher, en un momento de la cinta y con un giro de guión bastante inesperado comienza a caminar por otros derroteros y se convierte en algo totalmente diferente, una comedia negra salpicada con toques de humor cafre y gamberro y gore en cantidades industriales, que hará las delicias de ese público que busque algo nuevo y diferente dentro del ya tan manido género de terror.La película está dirigida por Adam Wingard y escrita por Simon Barrett, dos de los adalides del nuevo cine de terror contempóraneo, y responsables de algunos de los segmentos de las exitosas antologías de terror V/H/S y V/H/S/2, y suponemos que gracias al éxito de estas dos cintas, ve ahora la luz en España Tú eres el siguiente, una película anterior dentro de sus filmografías.
Con una conseguida atmósfera ochentera y un comienzo que es puro homenaje al género del slasher, la cinta cuenta como la adinerada familia Davison vuelve a reunirse en su casa de veraneo tras un tiempo separados, con motivo de una cena familiar en la que los padres conocerán a las parejas de sus hijos. La cena se complicará cuando la casa comienza a ser atacada por un misterioso asesino con el rostro cubierto por una máscara de un animal, y como suele pasar en estas ocasiones, descubrir más detalles de la trama sería entrar en el escabroso y siempre delicado terreno de los spoilers, así que no desvelaré más detalles de la trama para que podáis disfrutar al 100% de una película, que aunque no es del todo original en su planteamiento y desarrollo, si que cuenta con una resolución bastante original y que dejará al espectador, como suele decirse, con el culo torcido.
El reparto cuenta con varios rostros jóvenes y habituales de títulos independientes, entre los que destacan la joven de origen australiano Sharni Vinson, que es quizá la gran sorpresa de la película, a los que acompañan dos actores veteranos como son Rob Moran, un actor habitual del cine de los Hermanos Farrelly, y por supuesto la imponente Barbara Crampton por la que hay que reconocer que no pasan los años. A destacar el cameo de cierto director de culto amiguete de los responsables de la cinta en un papel bastante divertido. 
Y volvemos a repetir, una cosa es que te vendan la cinta como la película más terrorífica del año, algunos la comparan con la Scream de esta generación, y otra muy distinta es lo que te vas a encontrar en los 94 minutos de duración, que no es otra cosa que un homenaje al género slasher y al cine de terror ochentero bajo una mirada descreída y con un humor negrísimo donde las risas, por lo exagerado de algunas situaciones, están aseguradas.
Tú eres el siguiente no es la gran esperanza blanca del cine de terror de esta década, y no creo que fuera esa la intención de sus responsables al realizarla, y sin embargo es una muy disfrutable película para pasar un buen rato en el cine, una opción a tener en cuenta entre los estrenos de la semana.

Epic. El mundo secreto

Estrenada en una semana en la que tuvo que competir con títulos tan potentes como Cazadores de Sombras, Dolor y Dinero o Kick-Ass 2, Epic: El mundo secreto, la nueva película de los Estudios Blue Sky (Ice Age y Rio), ha conseguido alzarse al primer puesto de la recaudación en la taquilla nacional de la semana pasada. ¿Tendrá algo que ver que es una película dirigida, en un principio, al público infantil, o puede ser por la potente campaña de marketing o quizás por que se haya estrenado el último fin de semana del mes de Agosto? Intentaremos desentrañar las razones del éxito en taquilla de Epic en esta breve reseña.
Dirigida por Chris Wedge, director de Ice Age y Robots, llega a las pantallas españolas Epic: El mundo secreto, una película que recoge las mejores esencias del cine de Ghibli y del estilo de las producciones Disney, para ofrecernos un producto que hemos visto una y otra vez, y que nos cuenta la historia de una joven adolescente con problemas de comunicación con su padre, que ve reducido su tamaño y se ve transportada a un mundo diminuto donde se verá envuelta en una guerra entre una sociedad regentada por la Reina Tara, que protege y conserva la vida en el bosque, y otra facción, los Boogans, comandada por el malvado Mandrake, cuya meta es destruir toda vida en el bosque. La historia inspirada en el libro infantil The Leaf Men and the Brave Good Bugs de William Joyce, que también participa como guionista de la cinta, nos deja con un regusto a ya visto, como hemos dicho anteriormente, pero no obstante sigue funcionando como un mecanismo de relojería y dejará satisfecho tanto al espectador infantil como al espectador adulto, ya que es una deliciosa película con un gran ritmo, muy entretenida, y con una factura técnica exquisita.
Además de todo lo mencionado, Epic ofrece al espectador unos muy buenos diálogos, chistes graciosos, personajes bien construidos que presentan conflictos entre ellos y en su versión original, la cinta cuenta para las voces con actores de auténtico lujo como Colin Farrell, Beyoncé Knowles, Chris O'Dowd, Amanda Seyfried, Christoph Waltz, Jason Sudeikis, entre otros y como curisosidad destacar la participación del cantante y rapero Pitbull prestando su voz a uno de los personajes.En definitiva, Epic: El mundo secreto se nos presenta como una excelente opción para disfrutar en companía de los más pequeños, pero que no dejamos de recomendar también a los talluditos amantes de la animación tradicional, ya que encontrarán en esta película varios elementos del cine de animación más clásico, con los que sin duda se lo pasarán como niños.

Dolor y Dinero

Acaba de estrenarse en nuestro país la última película dirigida por Michael Bay, conocido por blockbusters tan espectaculares y taquilleros como La Roca, Armageddon o la (hasta ahora) trilogía de Transformers, que a la espera del estreno el año que viene de una nueva entrega de la saga robótica, se ha dedicado a rodar Dolor y Dinero (Pain & Gain, 2013), una película modesta dentro de su filmografía y que casi podríamos clasificar como "cine de autor".
En Dolor y Dinero, Bay nos narra una truculenta historia sobre un secuestro basada en hechos reales. Historia que podría haber dado para un drama bastante trágico, y a la que Bay ha decidido imprimir un agradecido aire de comedia negra que aligera bastante el tono de algunas de las tropelías que cometen los personajes protagonistas en varios momentos del metraje de la cinta.
Los personajes son una pequeña banda formada por tres culturistas con pocas luces y mucha ambición liderados por Daniel Lugo, un personaje obsesionado con el estilo de vida que vende el "American Dream" y cuyos ídolos son los personajes fílmicos Rocky Balboa de Rocky, Michael Corleone de El Padrino y Tony Montana de El Precio del Poder, interpretado brillantemente por Mark Wahlberg, al que acompañan Paul Doyle, interpretado por Dwayne "The Rock" Johnson, que consolida con cada nueva película su estatus en el Olimpo de super estrellas hollywoodiense; y Adrian Doorbal interpretado por el actor Anthony Mackie, al que veremos encarnando al Halcón en la inminente Capitán América: El Soldado de Invierno.
El guión firmado por Christopher Markus y Stephen McFeelyde nos presenta a unos personajes de dudosa catadura moral a los que podríamos calificar de patéticos perdedores, que sin embargo acaban ganándose el cariño del espectador en esta divertida cinta en la que Bay se nos transforma en un hiperactivo y acelerado imitador de cintas como Fargo, si a los hermanos Coen les hubiese dado por dirigir bajo los efectos de sustancias estimulantes.
Completan el reparto el inmenso Tony Shalhoub que da vida al rico empresario al que secuestran los personajes protagonistas, y que es uno de los aspectos más destacables de la película, y por supuesto no nos podíamos olvidar de Ed Harris, actor que ya había trabajado con Bay en La Roca y al que aquí regala uno de esos papeles secundarios que son auténticos caramelos para actores veteranos como Harris.
Aquellos espectadores que acudan al cine a ver Dolor y Dinero se encontrarán con una hilarante comedia negrísima, bastante cafre y salvaje por momentos, con la que el director californiano nos muestra una afilada y nada sutil crítica a ese tan ansiado e inalcanzable Sueño Americano, que si se toma demasiado en serio, como acaban haciendo los protagonistas de esta historia, puede acabar convirtiéndose en una obsesión y en una terrible pesadilla.
Resulta perturbador el modo en que Bay consigue hacer reír al espectador con una historia tan terrible que no lo olvidemos está basada en hechos reales, por eso el director no dejará de recordarnos en todo momento que todas las situaciones salvajes y surrealistas que aparecen en pantalla y con los que el espectador se está carcajeando de lo lindo, sucedieron del mismo o similar modo, y es que como se suele decir, la realidad por increíble y absurda que parezca supera en muchas ocasiones a la ficción.
Merece destacar la acertada elección de los temas que componen la banda sonora, todo un viaje nostálgico a la década de los noventa.
Termino esta breve reseña confesando que nunca he conseguido comulgar con la filmografía de Bay, y tampoco nunca he sido demasiado fan de sus blockbusters, pero reconozco que con esta cinta el director me ha conquistado y espero y deseo que en sus próximos proyectos tenga sitio para otros proyectos más personales y "modestos" alejados de blockbusters y franquicias, como esta extremadamente divertida y recomendable Dolor y Dinero que se ha convertido, sin lugar a dudas, en una de las comedias del año.

Elysium

Los aficionados al cine de género le debemos mucho a Peter Jackson, y no solo por su faceta como cineasta que siempre ha estado ligada al género fantástico de una manera u otra, si no también por su importancia como fundador de la companía de efectos especiales Weta Digital, o también por su labor como productor en la película Distrito 9 (2009) con la que descubriríamos al director debutante de origen sudafricano Neill Blomkamp. Es justo señalar que a pesar de venir avalada por Jackson, Distrito 9 fue una cinta de ciencia-ficción que contando con un presupuesto de unos 30 millones de dólares, acabaría cosechando un éxito inusitado convirtiéndose de la noche a la mañana y gracias al boca-oreja en una película que gustó tanto a crítica como a público y acabaría superando los 200 millones de dólares de recaudación.
El éxito de Distrito 9, colocaría a Blomkamp en el punto de mira de las grandes productoras, siendo Sony Pictures quien contrató finalmente al director para su próximo proyecto que acabaría siendo una nueva historia de ciencia-ficción titulada Elysium.
En Elysium, Blomkamp que hace doblete como escritor y director, nos relata una nueva historia de ciencia-ficción distópica, en la que en un futuro cercano la Tierra se ha ido arruinando hasta convertirse en un planeta donde la miseria y la superpoblación han forzado la construcción de la estación espacial en órbita Elysium, habitada por ricos y poderosos que han conseguido huir de las penalidades del planeta Tierra y donde viven con todo tipo de lujos y comodidades en contraposición a los habitantes que se han quedado en la Tierra.
El versátil actor Matt Damon interpreta a Max DaCosta, un tipo corriente que ha conseguido dejar atrás una vida de delincuencia e intenta ganarse la vida como buenamente puede en una fábrica de robots de la Corporación Armadyne.
Todo se complica cuando la vida de Max está en juego y éste intente por todos los medios entrar en Elysium, lo que la Secretaria Delacourt, la encargada de la defensa de la estación espacial, interpretada por Jodie Foster, deberá evitar a cualquier precio, ya que la irrupción de cualquier inmigrante ilegal procedente de la Tierra amenazaría la forma de vida lujosa y opulenta de los habitantes de la estación espacial.
Mención especial merece la participación del también sudafricano Sharlto Copley, actor fetiche del director con el que ya trabajara en su anterior film, que demuestra que es un actor fuera de serie interpretando a Kruger, un personaje "over the top" que se come la pantalla en cada una de sus intervenciones.
A la nada disimulada crítica a nuestra sociedad actual en la que la desigualdad entre ricos y pobres va aumentando progresivamente, siendo más evidente cada día que pasa, el espectador que se acerque al cine a ver Elysium encontrará además una historia de acción, al más puro estilo de los blockbusters de esta época estival, repleta de espectaculares escenas de acción magníficamente rodadas, y unos excepcionales efectos especiales donde destacan especialmente los movimientos de los robots que aparecen en el film.
Lamentablemente, y a pesar de ser un genial creador de mundos distópicos, Blomkamp con su guión nos deja con la sensación de que la historia que nos está contando la hemos visto ya cientos de veces, y esta pierde bastante fuelle sobre todo en la parte final donde la trama cae en lo convencional y todo sucede de forma algo atropellada.
Para aquellos que tengan pensado ir a ver esta película, háganse un favor, y no se les ocurra ver ninguno de los trailers de la misma.
En definitiva, Elysium es una película que no defraudará a aquellos que disfrutaron con la anterior cinta del director sudafricano, pero que puede llegar a decepcionar a aquellos espectadores que busquen algo más en su segundo largometraje.

Guerra Mundial Z

Mañana viernes 2 de Agosto llega a las carteleras españolas la esperada adaptación de la aclamada novela Guerra Mundial Z del escritor Max Brooks, reputado novelista y además hijo del actor y director Mel Brooks.
Producida por Plan B Entertainment, propiedad de Brad Pitt, Guerra Mundial Z nos presenta al ya veterano actor como principal reclamo de este esperado blockbuster. Atrás quedan los innumerables problemas que tuvo que atravesar el proyecto durante su preproducción, producción y post-producción, sin embargo sus responsables han conseguido llegar a buen puerto la cinta, y el resultado, quizás no ha sido tan redondo como se esperaba, pero aún así el espectador encontrará en la pantalla un blockbuster veraniego de lo más digno y una película con un ritmo vibrante y trepidante que no deja un respiro al espectador en ningún momento de las casi dos horas que dura la película.
Muchos aficionados al género zombie se han preguntado cuales son los puntos en común entre la novela y la película, y es que aparte del título no hay ninguno más y este hecho ha encencido las iras de los fans de la novela. Y es que quizá el principal problema al que se hayan tenido que enfrentar los guionistas de esta producción entre los que encontramos nombres ya reconocidos del género como Matthew Michael Carnahan, Drew Goddard, Damon Lindelof y el guionista de series de televisión y cómics J. Michael Straczynski, haya sido la estructura episódica de la novela y el hecho de contar la historia a base de testimonios de los supervivientes a la denominada Guerra Mundial Z. Esta estructura fragmentada y de protagonismo coral tan característico de la novela hubiese sido perfecta para otro formato como por ejemplo una serie de televisión, pero quizá no hubiese sido una decisión afortunada el emplearlo para un blockbuster veraniego protagonizado por Brad Pitt, por ello los guionistas han decidido cortar por lo sano y en lugar de adaptar la novela han optado por narrar lo que podríamos denominar como el origen de la epidemia y de los ataques zombies, y como Gerry Lane, un investigador de las Naciones Unidas, interpretado por Brad Pitt deberá abandonar a su familia y viajar por todo el mundo en busca del origen de la infección con el fin de poder sintetizar una vacuna con la que acabar con la pandemia que asola el mundo.
Acompañan a Pitt, actores televisivos de sobrada solvencia como Mireille Enos (The Killing), James Badge Dale (Rubicon), Peter Capaldi (The Thick of It) o Matthew Fox (Lost), al que este último yo no recuerdo haber visto en la película aunque aparezca acreditado en el reparto. ¿Eliminado en la sala de montaje quizás?
La cinta dirigida por Marc Forster, director con una filmografía tan ecléctica con títulos como "007: Quantum of Solace", "Más extraño que la ficción", "Descubriendo Nunca Jamás" o "Monster´s Ball", ha sabido ponerse al servicio de la espectacularidad y de la acción trepidante en esta producción y ha conseguido rodar una serie de escenas espectaculares que se van sucediendo una tras otra, sin apenas dejar respiro, y que mantienen al espectador en tensión durante todo el metraje.
En definitiva, Guerra Mundial Z quizá no guste a los fans más acérrimos de la novela, ya que poco o nada tiene que ver con ella aparte del título, pero aún así se presenta como una película muy entretenida que gustará a los que vayan a verla con la idea de que van a ver otra película de zombies, en la que estos se presentan como una especie de veloz marabunta con mente colmena que va arrasando todo a su paso. La película deja con ganas de ver en acción a más zetas, y sobre todo más enfrentamientos alrededor del mundo entre los "zetas" y los humanos a los que es probable que veamos en próximas secuelas si la cinta funciona bien en taquilla, ya que como bien reza el título de la película es una Guerra Mundial, y aún quedan muchos enfrentamientos e historias alrededor del mundo que contar durante el apocalipsis zombie.

Star Trek: En la Oscuridad

J. J. Abrams, director a cargo de la exitosa revitalización de Star Trek, una franquicia que estaba muerta y enterrada desde hace años, regresa a la gran pantalla el próximo día 5 de Julio con la secuela de la brillante Star Trek (2009).
En la segunda entrega del reboot de esta franquicia multimillonaria, cuya primera entrega supo contentar por partes iguales a los más acérrimos trekkies seguidores de la serie clásica, como al gran público que llena las salas de cine, que vio satisfechas sus expectativas con una vibrante y entretenida cinta que supuso el despegue definitivo de la, en otros tiempos, popular franquicia que andaba de capa caída desde hace varios años hasta que gracias al buen hacer del equipo responsable de la primera parte, con Abrams a la cabeza, regresa ahora para narrarnos más aventuras de la tripulación de la nave interestelar Enterprise.
La cinta arranca de manera espectacular y trepidante, muy al estilo de las películas de Bond, con la historia ya empezada que invita al espectador a meterse en la película desde el primer minuto. A continuación veremos como, lo que en un principio podría ser una mera anécdota, se convierte en el desencadenante de una trama que articulará los 132 minutos de metraje de este espectacular blockbuster veraniego.
Y volviendo de nuevo a Bond, la trama recuerda en varios pasajes a Skyfall, del que los guionistas Roberto Orci, Alex Kurtzman y Damon Lindelof han tomado buena nota al crear al interesante villano de este film, auténtico protagonista de la historia, que incluso aparece como principal figura en los carteles de la película usurpando el lugar a cualquier otro miembro de la tripulación del Enterprise, nos referimos, claro, al actor Benedict Cumberbatch, el Sherlock televisivo que demuestra de nuevo su buen hacer interpretativo haciéndose con el protagonismo absoluto en las escenas que comparte con el resto de los actores del reparto, incluidos Kirk y Spock.
El trío de guionistas, famoso por su trabajo en series como Lost, rescatan para esta nueva aventura del Enterprise una historia de venganza, que bebe bastante de una de las películas de la saga clásica con la tripulación original. Una historia que aún siendo bastante previsible, sigue guardando algunos giros de guión que sorprenderán al espectador en esta entretenida historia en la que veremos como un Kirk soberbio y arrogante aprenderá una lección que le hará madurar y por fin le hará ganarse los galones de capitán de la Enterprise, y donde Abrams deja cerrada su participación, para embarcarse en una nueva aventura interestelar a los mandos de la franquicia de Star Wars, dejando la cerada por Gene Roddenberry lista para nuevas historias a cargo de otro director y de otros guionistas.
Es digno de mención que los guionistas de En la Oscuridad hayan intentando desarrollar un poco más a los personajes, y las relaciones entre ellos, sin embargo no consiguen salir airosos en algún que otro caso, y algunos personajes, digamos secundarios, aparecen en la película porque son parte de la tripulación y no porque su participación en la trama sea determinante. Lo único destacable es quizá la aparición de un nuevo personaje femenino en la tripulación, interpretado por la bellísima Alice Eve, que protagoniza el momento más sexy y, también el más gratuito, del film.
Como era de suponer en una producción del presupuesto manejado, la factura técnica es exquisita y las escenas de naves y de efectos especiales son espectaculares, como ya lo fueron en la primera entrega, y la dirección de Abrams es vibrante y enérgica, sin dar un momento de respiro al espectador, y quizá el único pero que se le podría achacar es el excesivo e injustificado uso de la denominada técnica Lens flare o los brillitos, como yo los llamo, que están más que presentes en cada uno de los planos de la película.
En definitiva, esta nueva entrega de Star Trek quizá abuse algo de ese tonillo "oscuro y realista", al que en Hollywood está impregnando los últimos blockbusters que llegan a nuestras pantallas, pero no obstante sigue poseyendo esos golpes de humor que hicieron de la primera entrega una película tan divertida y entretenida. Por lo tanto, si os gustó la anterior no puedo dejar de recomendaros esta segunda parte en la que encontraréis más de lo mismo, con el añadido de un villano misterioso y carismático que roba escenas en cada plano del film.

Trance

Desde que descubriera Trainspotting en 1996 he seguido con mucho interés la carrera cinematográfica de Danny Boyle, uno de los directores más interesantes del panorama actual. Su filmografía destaca por intentar contar historias diferentes en cada nueva película y no encasillarse en un único género, por eso durante su carrera podemos encontrar películas tan distintas como La Playa, Sunshine, 28 días después, Slumdog Millionaire o 127 horas, por poner unos ejemplos.
Tras sorprenderme en la dirección de la estupenda 127 horas, esperaba con muchas ganas Trance, su más reciente película hasta la fecha, que llega a las carteleras españolas mañana viernes 14 de junio.
Con un reparto de auténtico lujo, Boyle nos presenta un interesante triángulo formado por los actores James McAvoy, Vincent Cassel y Rosario Dawson. Un reparto internacional que brilla con luz propia en este thriller psicológico en el que los personajes brillan con luz propia sobre la ligera trama que Boyle nos presenta y que podríamos de definir como pequeño McGuffin con el que se desencadenará el conflicto entre los tres personajes.
Resulta bastante complicado comentar algo sobre esta película sin desvelar detalles de una trama en la que los giros de guión se van sucediendo uno tras otro, así que me ahorraré el narrar la sinopsis del film. Solo comentaré que lo que en un principio parece que va a ser una película sobre el espectacular y calculado robo de un cuadro acaba convirtiéndose en una película de personajes en los que la violencia, la amnesia y la hipnosis son los auténticos motores de una trama que se va desarrollando con varios e inesperados golpes de guión que sin duda sorprenderán al espectador más desprevenido.
El trabajo actoral es sobresaliente y en los hombros de los tres actores protagonistas se sustenta el armazón en el que Boyle construye una película muy recomendable para todos aquellos que acudan al cine y quieran ver una historia diferente a lo que podemos encontrar actualmente en la cartelera. Boyle nos presenta una historia con múltiples giros de guión, que contiene algunas pinceladas que nos pueden recordar a Origen de Christopher Nolan. Las hipnóticas (y nunca mejor dicho) escenas oníricas repletas de bellísimas imágenes concebidas por el genial ojo del director de fotografía Anthony Dod Mantle y gracias también a una excelente banda sonora que casa perfectamente con las estimulantes imágenes mostradas en la gran pantalla por Danny Boyle, hacen de este film una de las películas más sugerentes del director británico del que esperamos con muchas ganas Porno, su próximo proyecto adaptando otra novela de Irvine Welsh, de la que ya adaptó en su día la inolvidable Trainspotting.

Stoker

El próximo viernes 10 de Mayo se estrena en los cines españoles Stoker, la última cinta rodada, hasta la fecha, por el director surcoreano Park Wan-Chook. Un director que llamó la atención de la crítica occidental con las películas que conforman la llamada "Trilogía de la venganza" (Sympathy for Mr. Vengeance, Sympathy for Lady Vengeance y sobre todo por su obra más aclamada, Old Boy, de la que está a punto de estrenarse un remake americano a cargo del director Spike Lee). Soy un cyborg y Thirst fueron sus últimas cintas rodadas en su país natal, antes de sucumbir a los cantos de sirena de Hollywood y filmar, avalado por la productora de los hermanos Ridley y el recientemente fallecido Tony Scott, Stoker, el debut de la que esperamos sea una larga y fructífera carrera en los Estados Unidos.
Para esta su primera aventura en Hollywood, Park Wan-Chook ha contado con un reparto de auténtico lujo, en el que encontramos a la joven actriz Mia Wasikowska (Alicia de Tim Burton), a la superestrella Nicole Kidman, que parece que ha dejado atrás sus escarceos con el botox y su rostro vuelve a recordarnos al de un ser humano, y por supuesto el tercer vértice de este triángulo está interpretado por el actor Matthew Goode (Watchmen).
Para aquellos que hayan visto el trailer de este film, y hayan relacionado el título con alguna especie de trama vampírica, lo sentimos por ellos, ya que puede que se sientan algo decepcionados con la película, ya que nada tiene que ver con las criaturas con las que ya tratara el director surcoreano en su anterior película Thirst.
Tras el fallecimiento de su padre (interpretado por Delmot Mulroney), la joven India Stoker (Wasikowska) y su madre Evelyn (Kidman) reciben la visita de su joven tío Charles (Goode). Ambas caerán rendidas ante los encantos y el misterio que rodea al hermano de su fallecido padre y marido.
De esta manera el complicado y retorcido triángulo entre los tres personajes está servido, y acarreará terribles y fatales consecuencias para todas aquellas personas que se acercan a dicho triángulo con intención de romperlo.
Siendo una película de personajes hay que destacar la labor de los tres actores protagonistas, así como la breve participación de Mulroney, que está francamente bien, y también a las dos actrices veteranas Phyllis Somerville y Jacki Weaver, ambas con breves pero sin embargo destacables actuaciones.
Con el guión firmado por Wentworth Miller, que se estrena como guionista, y al que los aficionados recordarán por la serie Prison Break en la que interpretó a Michael Scofield, Park Wan-Chook nos construye un trhiller terriblemente atractivo por su propuesta visual, pero al que poca chicha se le puede sacar con una historia que en ocasiones nos puede recordar a esos telefilmes que Antena 3 se empeña en emitir una y otra vez en las sobremesas de los fines de semana.
Es muy probable que en manos de otro director menos dotado para evocar poderosas imágenes como lo está el director surcoreano, esta película hubiera pasado por las carteleras sin pena ni gloria, por eso es de recibo destacar la labor del director de Old Boy que, con los mimbres con los que contaba, ha conseguido confeccionar un esmerado thriller psicológico repleto de bellas imágenes que permanecerán en la memoria del espectador muchos días después de abandonar la sala de cine.

Posesión Infernal (Evil Dead)

Acompañada de una brutal pero eficaz campaña de marketing, se estrena en las pantallas de todo el mundo el esperado remake del Evil Dead de Sam Raimi.
Esta nueva reimaginación del film de culto de 1981, viene avalada por el propio Raimi, que junto al mítico Bruce Campbell y a Robert G. Tapert han producido el debut en la dirección de largometrajes del uruguayo Fede Alvarez, que hace unos años deslumbró al mundo con Ataque de Pánico!, corto que consiguió abrirle las puertas de Hollywood.
Fede Alvarez, Rodo Sayagues y la oscarizada Diablo Cody, son los responsables del guión, y han tomado la historia original de Raimi, han cogido elementos de las dos primeras partes de la trilogía Evil Dead, y han ido añadiendo y modificando algunos elementos a esta nueva historia, para integrarla en la corriente del cine de terror del siglo XXI en el que, por supuesto, no se escatima con las escenas en las que hay abundancia de gore y de litros y más litros de sangre.
Mucho más bruta y excesiva que la original, esta nueva versión no se corta un pelo a la hora de mostrar aquellas escenas que allá en los ochenta Raimi dejara a la imaginación del espectador, y es que no nos engañemos, pero en estos tiempos es difícil asombrar al espectador actual que ya ha visto de todo en el cine de terror.
La historia nos cuenta como Mia, interpretada por la joven actriz Jane Levy, protagonista de la comedia televisiva Suburgatory, viaja junto a su hermano y varios amigos de la infancia a la vieja cabaña familiar para intentar dejar atrás, con la ayuda de sus amigos más cercanos, una parte de su vida que la está consumiendo.
Pero para aquellos que ya conocen la historia original, ya sabrán de lo que los personajes descubren en el sótano de la cabaña, un objeto que despertará algo maligno que habita en el bosque.
El resto del reparto entre los que encontramos entre otros a Shiloh Fernandez ( Caperucita Roja ¿A quién tienes miedo? ), Lou Taylor Pucci (Infectados) o Jessica Lucas (Monstruoso) son rostros jóvenes, que han hecho sus pinitos en series de televisión y en varias cintas de género, y cuyos rostros son menos reconocibles que el de la protagonista, pero a buen seguro poco a poco, y sobre todo gracias a esta cinta pronto sus nombres comenzarán a sonar en el star system hollywoodiense.
Como ya he comentado un poco más arriba, Alvarez no hace concesiones al espectador y además de realizar un sentido homenaje a la obra de Raimi, y aún echando de menos algunos toques de ese humor negro y socarrón tan característico de las películas de Raimi, no se autocensura a la hora de dar al espectador aquello que busca en una película de terror, y de este modo los que vayan al cine a disfrutar de este más que digno remake, se encontrarán con una jugosa y excesiva sucesión de sustos, gore y escenas escalofriantes que quedarán para siempre en la memoria del espectador.
En definitiva, nos encontramos ante una entretenida cinta de terror, una modesta producción de 17 millones de dólares que a buen seguro será todo un éxito de taquilla y de la que ya se ha confirmado su secuela, y en la que, en su hora y media de metraje, ya sea gracias a los temas compuestos por el español Roque Baños que consiguen crear una perfecta y terrorífica atmósfera, y a los eficaces y artesanales efectos especiales, los sustos están más que asegurados en este remake que, lejos de contarnos igual otra vez la misma historia plano a plano, elige su propio camino y nos da otra versión diferente, y a su vez fiel al original de Sam Raimi. Una película que contentará tanto a los que conozcan la película original de 1981, como a los nuevos espectadores que no hayan oído hablar nunca de la película de culto original y solo conozcan al director por su reciente Oz, un mundo de fantasía.
Y por supuesto aquellos espectadores que esperen hasta el final de los créditos, verán su paciencia recompensada con una escena final que hará las delicias de los aficionados a la saga de Raimi.

G. I. Joe: La Venganza

Han tenido que pasar cuatro años, y varios retrasos en su fecha definitiva de estreno, para que por fin llegue a nuestras carteleras la esperada secuela de G. I. Joe (Stephen Sommers, 2009). Una cinta que en su día entretuvo bastante a los espectadores, funcionó bien en taquilla y que consiguió añadir un gran número de aficionados a la causa de los Joe, que se unieron a los veteranos seguidores de las figuras de acción creadas por la empresa juguetera Hasbro, también productora de esta nueva cinta, y por supuesto a los fans de los cómics y de la inolvidable serie de animación de los ochenta.
Todo un universo que en la primera parte cobraba vida de la mano del realizador de las exitosas dos primeras partes de la trilogía de La Momia, y que no dejaba de ser una película palomitera sin pretensiones que para nada se tomaba en serio en ningún momento.
La secuela, que se estrena hoy en cines de toda España, titulada G. I. Joe: La Venganza (G. I. Joe: Reataliation) nos llega como continuación directa de la primera parte, pero rompe prácticamente con todo lo que vimos en la primera cinta. Mientras que el equipo G. I. Joe que vimos en la anterior parte, era un equipo internacional de luchadores por la libertad dependiente de la OTAN, en esta segunda entrega se nos presenta como una fuerza especial de élite del ejército americano.
Otra ruptura con la primera parte la encontramos en el reparto, solo dos actores repiten papel, Channing Tatum sigue interpretando a Duke, y Ray Park al silencioso y enigmático Snake Eyes, mientras vemos como nuevos Joes que no habíamos visto en la primer parte pasan al primer plano de la acción, entre ellos Roadblock (Dwayne Johnson), Flint (D.J. Cotrona), Lady Jaye (Adrianne Palicki) y Jinx (Elodie Yung).
En el bando de los villanos solo continúa Byung-hun Lee como el ninja Storm Shadow, mientras que Joseph Gordon-Levit es sustituido por Luke Bracey como Comandante Cobra y debuta el macarra Firefly interpretado por Ray Stevenson (Punisher: War Zone).
Los guionistas de la cinta, Rhett Reese y Paul Wernick (Bienvenidos a Zombieland), obvian las explicaciones sobre que ha pasado con los demás Joes o que es lo que pasó con ciertos personajes cuyo final no estaba muy claro en la primera parte y desechan de buenas a primeras la participación en la cinta de Destro con una única frase en el guión.
Por lo demás, ambos guionistas firman una historia que continúa con una de las tramas argumentales de la anterior, incluyendo numerosos momentos de humor, en los que destaca el veterano e inconmensurable Jonathan Pryce, que hace suyos algunos de los momentos más divertidos de la cinta.
Jon M. Chu, cuyos antecedentes no auguraban nada nuevo, no lo hace del todo mal, dirigiendo con cierto brío y claridad las escenas de acción, y nos deleita con varias secuencias espectaculares, entre los que destaca, sin duda, el enfrentamiento aéreo en las alturas entre Snake Eyes y Jinx y varios ninjas de Cobra, con unas peligrosas montañas nevadas de fondo.
También me gustaría destacar la emocionante secuencia en la cárcel de máxima seguridad alemana en la que aparece un actor por el que siento debilidad y que últimamente está ganándose el premio a secundario de oro en las últimas producciones que están llegando a nuestras pantallas. Y no, no es Bruce Willis, y tampoco diré su nombre para mantener el misterio para aquellos que vayan al cine a verla.
Por otro lado aquel que busque caracterización de personajes en esta cinta, mejor que no se acerque al cine, porque aquí solo encontrará acción, acción y más acción. Básicamente lo que ya nos dio la primera parte, pero aún contando con diez millones de dólares más de presupuesto, se vislumbra cierta tacañería a la hora de mostrar al espectador la espectacularidad de la que hiciera gala su antecesora. ¿Se habrá invertido ese dinero en la conversión al 3D o en la contratación de una estrella de Bruce Willis como reclamo publicitario?
Y hablando del mítico John McClane, es una verdadera lástima que Bruce Willis, que interpreta al General Joe Colton, el Joe original, y que últimamente no gana para disgustos tras los palos que está recibiendo la quinta entrega de Die Hard, no pueda lucirse más en esta cinta en la que apenas tiene un par de momentos y cuya presencia no es determinante en ningún momento para el desenlace de la trama, quedando eclipsado en todo momento por Dwayne Johnson que se come la pantalla en cada una de sus apariciones. Esperemos que Willis recupere su estatus de action hero en la muy esperada secuela de Red que llegará próximamente a nuestras pantallas.
Resumiendo, los aficionados de toda la vida a los G. I. Joe, aquellos que se conocen los nombres, vida y milagros de todas las figuras de acción con las que jugaron de pequeños, disfrutarán como niños con zapatos nuevos, con esta entretenida secuela en la que gozarán de lo lindo viendo al Comandante Cobra con su casco de toda la vida y varios vehículos con los que sin duda jugaron de pequeños, y cuya adaptación fílmica esperemos tenga continuación, ya que según parece aún no hemos visto el fin de la malévola organización terrorista Cobra.

Django Desencadenado

Con cinco nominaciones a los Oscar, entre ellas dos categorías tan importantes como Mejor película y Mejor Guión Original, y con dos flamantes Globos de Oro en su haber, el otorgado a Christoph Waltz como Mejor actor de reparto (también nominado para los Oscar) y el de Mejor guión original, mañana llega a los cines de toda España Django Desencadenado, el esperado último trabajo del cineasta Quentin Tarantino.
Han sido tres años de larga espera pero tras disfrutar como un enano de los 165 minutos de la última película del director de Pulp Fiction, solo puedo decir que las expectativas no se han visto defraudadas y que la espera ha merecido muchísimo la pena.
Tras abordar en Malditos Bastardos un género como el bélico, tan alejado del noir de sus propuestas iniciales, Quentin Tarantino ha querido probar fortuna con el western y para ello ha sabido extraer de sus múltiples y variadas referencias cinéfilas los ingredientes para este explosivo cóctel que además de estar aderezado por una potente y heterogénea banda sonora, toma prestados la canción original y por supuesto el nombre del personaje del spaghetti western Django, dirigida en 1966 por Sergio Corbucci y protagonizada por Franco Nero.
Y no señores, Django Desencadenado no es un remake, es otra cosa muy diferente, es una experiencia cinematográfica sin igual que a pesar de su larga duración, apenas se me hizo pesada y que ha conseguido quitarme el regustillo agridulce que en su día me dejaron sus Bastardos.
La historia nos traslada a un par de años antes de la Guerra Civil y nos presenta al cazarrecompensas Dr. King Schulz, sin duda uno de los personajes más carismáticos que han salido nunca de la pluma de Tarantino, interpretado magistralmente por Christoph Waltz, que tomará bajo su protección al esclavo recién liberado Django, interpretado por Jamie Foxx, para que le ayude en la busca y captura de unos bandidos a los que pretende dar caza.
A partir de ahí la historia se convierte en un western "de los de toda la vida" con la personal visión Tarantiniana, en el que no faltan grandes dosis de humor, y donde ambos personajes compartirán un viaje que les llevará en pos de la esposa de Django que también fue vendida como esclava a un terrateniente sureño llamado Calvin Candie, interpretado por un Leonardo DiCaprio que está enorme componiendo a este peculiar personaje francófilo.
Completan el reparto Samuel L. Jackson, que está inmenso interpretando al esclavo "Tío Tom" Stephen, que injustamente no ha recibido otra nominación al Oscar como mejor actor de reparto, junto a la de su compañero Waltz, el televisivo Walton Goggins, y varios cameos que no nombraremos para no desvelar la sorpresa a los espectadores.
En Django, Tarantino se ha permitido homenajear a los grandes directores del género y nos muestra esos bellísimos planos de los personajes cabalgando en espacios abiertos tan característicos del género. Estando ambientada en el Sur, el director trata el siempre peliagudo tema del racismo con su habitual sentido del humor en un par de escenas de lo más divertidas de la película, y sobre todo, y como no podía ser de otra manera, cuando la violencia, la sangre y los tiros hacen acto de presencia en la pantalla el espectador debe rendirse ante las poderosas imágenes propuestas por el director y dejarse llevar por la acción desenfrenada. 
Quizá los únicos peros que se les pueda poner a esta excelente cinta sean el poco protagonismo de un Jaime Foxx totalmente eclipsado por su compañero de fatigas de origen alemán, ese pequeña vuelta de tuerca al final que que a más de uno dejará algo descolocado y puede también que algunos, no será mi caso, se quejen de la excesiva duración de la película.
En definitiva, Django Desencadenado es una muy recomendable película con las dosis justas de acción, comedia y drama, que nos muestra la madurez de un director que dejó atrás hace muchos años los calificativos de joven promesa y enfant terrible para convertirse en toda una realidad, que muy fiel a su estilo ha sabido ganarse un lugar en el panteón de los grandes de Hollywood.

Outrage

Tras varios años de sequía de películas de Takeshi Kitano (si la memoria no me falla su última película estrenada en nuestro país fue Glory to the Filmmaker! en 2009), el director japonés regresa a las pantallas españolas con el género que le hizo famoso y en el que se ha sentido más a gusto en su filmografía, me refiero, por supuesto, al subgénero de Yakuzas, tan popular en el cine japonés.
Dos años después de su estreno en Japón, y gracias a Mediatres Estudio y a Cameo, mañana llega a los cines españoles Outrage (Autoreiji en el original), cinta donde Takeshi nos muestra las luchas intestinas en una organización Yakuza, en la que las diferentes familias que la conforman luchan entre ellas en una guerra sin cuartel para poder hacerse con el control de la organización y donde todos los personajes se nos muestran como unos auténticos desalmados sin escrúpulos y sin la menor pizca de lealtad hacia su organización y a sus superiores.
Outrage es una historia violenta, narrada con sobriedad, un ritmo lento y sin aspavientos, y donde el amigo Beat Takeshi se recrea mostrándonos varias escenas de violencia rozando el gore más sangriento, y algunas escenas salpicadas de ese humor tan personal y característico por el que siempre se ha caracterizado el director japonés, que no muchos llegan a entender.
A pesar de no desarrollar apenas a los diferentes personajes que aparecen en la película, hay que destacar la relación entre Otomo, interpretado por Kitano, y el policía, antiguo amigo del protagonista, que nos brinda algunos de los momentos más interesantes y divertidos de la cinta.
Cabe destacar como Kitano nos muestra los entresijos más oscuros e ignotos de las organizaciones Yakuza y sus milenarias tradiciones como por ejemplo los dedos amputados que no dejan de aparecer en pantalla en los 109 minutos que dura la cinta que tiene uno de esos finales que te deja un poco a cuadros y que muestra perfectamente como funciona el mundo actual, ejemplificado en una organización mafiosa, pero que perfectamente retrata como funciona cualquier estamento de nuestra sociedad actual, ya sea oriental u occidental.
En definitiva una cinta que no entusiasmará a los que busquen historias de mafiosos con escenas de acción, persecuciones y tiroteos, pero que si puede reconciliar al espectador con el cine de Kitano, ya que el director, tras sus films introspectivos, vuelve a sus orígenes en una cinta no tan redonda como algunas de sus cintas más recordadas de yakuzas, pero al menos tiene algunos aspectos sugerentes que pueden llevar al espectador al cine.
Antes de finalizar esta reseña, me gustaría señalar que la secuela de esta Outrage, Autoreiji: Biyondo, acaba de estrenarse en Japón por lo que es de suponer que si esta cinta funciona bien en taquilla, pronto podremos verla en las pantallas españolas.

Hotel Transilvania

El próximo viernes 26 se estrena en los cines de toda España Hotel Transilvania, la última cinta de Sony Pictures, cuya división de animación ya nos trajo hace unos años esa delicia titulada Lluvia de albóndigas. Dirigida por Genndy Tartakovsky, ese genio de la animación tradicional o 2D, creador de series tan importantes e influyentes como Las Supernenas, El laboratorio de Dexter, Samurai Jack o Star Wars: Las Guerras Clon, que con este título debuta en la dirección de largometrajes de animación por ordenador en tres dimensiones, que cuenta con el aliciente del 3D.
El argumento de Hotel Transilvania es de lo más sencillo, el conde Drácula tras una mala experiencia con los seres humanos decide construir un hotel donde alejarse del mundo y que le servirá como refugio para él y para su hija Mavis que ha criado él solo desde muy pequeña. Al llegar a los 118 años de edad, Drácula invitará a todos sus amigos (prácticamente a todos los monstruos y criaturas terroríficas conocidas en la cultura popular) para celebrar juntos una gran fiesta en honor de su hija Mavis. Todo se complicará cuando al hotel y a la fiesta llega Jonathan, un joven mochilero que está de viaje por tierras transilvanas y que desencadenará los momentos más divertidos e hilarantes de la película.
Con esta premisa Tartakovsky sabe dirigir una entretenida cinta que se pasa en un santiamén y que apenas decae en ningún momento, sabiendo dosificar los escasos momentos empalagosos de la siempre inevitable historia de amor, y centrándose especialmente en los abundantes gags y en las situaciones cómicas que hacen de esta cinta una divertida propuesta para toda la familia y especialmente recomendable para el próximo día 31 de octubre, fecha en la que de un tiempo a esta parte venimos celebrando en nuestro país la noche de Halloween.
Como productor (y como voz de Drácula en su versión original) encontramos a Adam Sandler que impregna de su peculiar sentido del humor muchos de los gags que aparecen en la cinta, y cuyo argumento puede recordar a algunas de sus últimas películas en las que el viejo grupo de amigos vuelve a reunirse tras un tiempo separados y donde se suceden las situaciones cómicas.
En la versión que nos llega a las pantallas españolas el doblaje ha corrido a cargo de rostros conocidos de la gran y pequeña pantalla como Santiago Segura, Clara Lago, Dani Martínez, Alaska y Mario Vaquerizo y hay que señalar que aún no siendo actores de doblaje, digamos profesionales, sus voces no desentonan especialmente y una vez que empieza la película uno se olvida por completo de quién pone las voces a tal o cual personaje. Destacan especialmente Clara Lago, Dani Martínez y sobre todo Santiago Segura que pone un divertido acento transilvano al personaje de Drácula.
Como curiosidad hay que indicar que en los créditos que aparecen al final de la película podemos disfrutar con los personajes animados tradicionalmente con el estilo de Tartakovsky.
En definitiva, el director Tartakovsky pasa con bastante buena nota su paso de las series animadas "tradicionales" al largometraje en 3D con esta divertida historia que es, como ya he escrito antes, especialmente recomendable para la fecha terrorífica que se aproxima y con la que las risas están aseguradas.
Servidor se ha quedado con ganas de más Tartakovsky, así que hasta 2014 fecha en la que nos llegará el próximo proyecto del animador ruso, una película de animación 3D dedicada a Popeye, intentaré rellenar mis huecos en cuanto a sus obras de animación se refiere visionando algunas de sus series de animación como Samurai Jack o Sym-Bionic Titan.

Sin frenos

Después de ver el trailer de Sin frenos, quizá lo único que me llamaba la atención era que estaba dirigida por David Koepp, un guionista/director que en su faceta de guionista ha participado en éxitos de Hollywood tan potentes como Ángeles y demonios, la cuarta entrega de Indiana Jones, La guerra de los mundos o el Spider-man de Sam Raimi; y que en su faceta como director ha realizado películas no tan conocidas como las anteriores, pero tan interesantes como Me ha caído el muerto, La ventana secreta, El último escalón o The Trigger Effect (El efecto dominó).
Y tras su visionado, solo puedo decir que Sin frenos es una gran elección para ir al cine este fin de semana, ya que Koepp, que en esta cinta escribe y dirige, ha conseguido un más que aceptable thriller con ligeros toques de comedía que recuerda mucho a ese tipo de cine de entretenimiento que estuvo tan de moda durante los años ochenta y que parece que está volviendo poco a poco a las carteleras durante los últimos tiempos, algo que es de agradecer.
Sin frenos cuenta la historia de Wilee, un mensajero que se gana la vida en la ciudad de Nueva York jugándose el tipo con su bicicleta cada día en una ciudad donde el tráfico, los taxistas y los peatones son un peligro constante y de buenas a primeras, y sin saber muy bien como, comienza a ser perseguido por toda la ciudad por un misterioso personaje que va tras la pista de un sobre cuya entrega Wilee debe hacer en una cuenta atrás mortal que deparará al espectador unas espectaculares y adrenalíticas persecuciones a través del peligroso tráfico de las calles de Manhattan. 
El personaje protagonista está interpretado por Joseph Gordon-Levitt (The Dark Knight Rises, Looper), uno de los actores de moda en Hollywood, que lo hace estupendamente encarnando al mejor de los mensajeros en bicicleta de Nueva York, un personaje con una mezcla de habilidad y chifladura, en una constante huida hacia adelante cuyo lema es piñón fijo, cuadro de acero, sin frenos.
Por su parte Michel Shannon (Take Shelter) interpreta al villano de la función y realiza un extraordinario trabajo poniéndose en el papel de un tipo pasado de vueltas que no se detendrá ante nada para conseguir el contenido del sobre que Wilee deberá proteger con su vida.
En otros papeles secundarios hay que destacar la participación de las actrices Dania Ramirez y Jamie Chung y del actor Wolé Parks.
Como ya he dicho unas líneas más arriba, Sin frenos, es una estupenda elección para ir al cine este fin de semana si uno no sabe muy bien que ver, ya que Koepp en los 91 minutos de metraje nos cuenta una historia muy entretenida, dirigida con un ritmo endiablado y con unas muy acertadas soluciones estéticas y narrativas que sorprenderán a más de uno, y que hacen de esta cinta todo un deleite visual.
No quiero acabar esta reseña sin mencionar que tras ver esta película uno se queda con las ganas de, primero, visitar la ciudad de Nueva York, a pesar del caos circulatorio mostrado en Sin frenos, y segundo, montarse en una bicicleta (sin frenos, por supuesto) y pedalear sin parar esquivando coches a diestro y siniestro por avenidas tan transitadas como la Castellana.

Desafío Total

Este viernes llega a los cines de toda España la nueva versión de Total Recall, el esperado remake de Desafío Total, película dirigida en 1990 por el director de origen holandés Paul Verhoeven y protagonizada por la megaestrella Arnold Schwarzenegger.
Es inevitable que tras ver este remake dirigido por Len Wiseman, director de Underworld, Underworld: Evolution y La jungla 4.0, surjan las comparaciones con el original del que parte, y aunque hay bastantes diferencias significativas en la historia principal, el argumento de partida es prácticamente el mismo, y podemos decir que nos encontramos ante un remake bastante fiel a la película de Verhoeven, y que además contentará a sus fans más fieles ya que la película está plagada de guiños y homenajes al film de Schwarzenegger.
He de confesar que no he leído el relato original "We Can Remember It for You Wholesale" en el que se han basado ambos films, así que tampoco puedo decir cual de los dos es el que más se ciñe a lo que escribió en su día Philip K. Dick, pero el argumento, que de la mano de Verhoeven se convertía en un enrevesado rompecabezas en el que el espectador no sabía muy bien si lo que estaba viviendo el personaje protagonista era realidad o ficción, en esta nueva versión protagonizada por Colin Farrell, la acción y los efectos especiales se imponen a un guión mucho más sencillo que cumple únicamente dando las claves necesarias para continuar la trama, salvo en algún momento puntual donde si se plantean tímidamente esas dudas en el protagonista, y por ende en el espectador.
La historia nos sitúa a finales del siglo XXI, donde la Tierra ha quedado inhabitable para todo ser humano, y el grueso de la población se ha asentado en los dos únicos lugares habitables de la Tierra, la United Federation of Britain (UFB) y la Colonia, estableciéndose una separación bastante evidente entre la población con recursos en la primera y una población que sirve como mano de obra en fábricas de robots llamados sintéticos, en la segunda, estando ambos lugares comunicados por La Cascada, un medio de transporte que atraviesa la Tierra de un extremo a otro.
Uno de estos trabajadores es Douglas Quaid, que hastiado de su vida gris y anodina junto a su mujer Lori, interpretada por Kate Beckinsale, y debido a un sueño que se repite en su cabeza noche tras noche, decide ir al centro Rekall donde le implantan una serie de falsos recuerdos pudiendo elegir la vida que él quiera. Quaid elige ser un agente secreto doble y es en ese momento cuando todo se complica y la acción, casi sin pausa, se apodera de la película y así vemos como el personaje interpretado por Colin Farrell comienza a ser perseguido por su supuesta esposa y por el cuerpo policial de los Centinelas ya que supuestamente era un agente secreto al que se le habían borrado sus recuerdos, y en su ayuda acudirá Melina, una joven que aparecía en los sueños recurrentes de Quaid, que resulta ser un miembro de la resistencia que se opone al Canciller Cohaagen, interpretado por Bryan Cranston (Breaking Bad).
En el apartado interpretativo Farrell cumple eficazmente como héroe de acción, mientras que las breves apariciones del malvado Cranston saben a poco; por su parte en el lado femenino del reparto, Jessica Biel realiza un más que correcto papel profundizando en el pasado del protagonista y como interés amoroso del héroe, mientras Lori Quade, el papel interpretado por Kate Beckinsale, toma mucho más protagonismo que el papel que interpretó Sharon Stone en la cinta original (no olvidemos que es la esposa del director) y aquí se convierte prácticamente en la villana de la función eclipsando con su perfidia al personaje de Cohaagen.
Los puntos positivos del film son, sin duda, las variadas escenas de acción y persecuciones que son espectaculares, los magníficos diseños de producción de la UFB y de la Colonia, en los que no se ha escatimado en detalles y en efectos especiales para crearlos y así podemos ver infinidad de extras, casuchas apiñadas, edificios futuristas y coches voladores por doquier. Mientras que en el otro lado de la balanza nos encontramos con que algunas escenas puedan recordarnos demasiado a otras películas como Minority Report, Yo, Robot o a Blade Runner, y también que se echa mucho de menos el humor negro de la cinta de Verhoeven.
En definitiva, y si acudáis este viernes al cine a ver Desafío Total, os encontaréis con un entretenido trhiller de acción futurista con unos espectaculares efectos especiales, y con un remake que cumple quizá demasiado fielmente con el original, apenas aportando nada nuevo de su propia cosecha a esta nueva versión de Total Recall.

Dredd 3D

El próximo viernes 7 de Septiembre se estrena en los cines de toda España Dredd, la adaptación del personaje Judge Dredd.
El personaje, creado en 1977 por el guionista John Wagner y el dibujante aragonés Carlos Ezquerra para la revista británica 2000AD, ha ido ganando popularidad con los años convirtiéndose en uno de los personajes más famosos de la historieta británica, llegando a conseguir su propia adaptación cinematográfica en 1995 protagonizada por Sylvester Stallone y dirigida por Danny Cannon. Esta producción, pese a contar con un gran presupuesto, y ser una película bastante entretenida no conseguía captar el verdadero espíritu de las historietas protagonizadas por el Juez Dredd y no dejaba de ser otra cinta de acción más protagonizada por Stallone.
Han tenido que pasar diecisiete años para que el personaje contara con una nueva oportunidad en la gran pantalla y sus responsables han sabido aprovechar muy bien esta nueva oportunidad realizando una interesante cinta de acción futurista que además cuenta con el aliciente de la espectacularidad del 3D.
El director Pete Travis (En el punto de mira) nos presenta una historia escrita por Alex Garland (Sunshine, 28 Días Después), con la ayuda de los creadores del personaje, en la que en un futuro post-apocalíptico las ciudades se han convertido en grandes concentraciones de población, en las que los criminales campan a sus anchas y en las que los únicos representantes de la Ley son los Jueces, que tienen la potestad de actuar como jueces, jurados y verdugos.
Tras la presentación de Mega City Uno, la decadente ciudad donde se desarrolla la acción y que podría considerarse como otro personaje más, la película arranca con una fantástica escena de persecución en la que se nos presenta al personaje protagonista, magníficamente interpretado por Karl Urban, y en la que se nos presenta la droga SLO-MO en una espectacular escena en cámara lenta donde se aprovechan todas las posibilidades de las imagenes ralentizadas y del 3D.
Tras cometerse unos crimenes en una de las torres de la ciudad, a Dredd le es asignado el caso y una nueva compañera, la novata Anderson, interpretada por Olivia Thirlby, a la que deberá adiestrar durante la investigación de estos asesinatos que le llevarán tras la pista de la droga SLO-MO, y de Ma-Ma, la villana de la función.
La película tarda poco en arrancar y en cuanto los dos jueces entran en las torres Peach Trees, la acción toma las riendas de la historia y las espectaculares escenas de acción se suceden una tras otra en una montaña rusa tras que no da ni un momento de respiro al espectador.
En cuanto al reparto hay que destacar a Karl Urban (El Señor de los Anillos, Star Trek) da la talla y llena con su presencia y sobre todo con su portentosa voz el casco de Dredd, un casco que por cierto no se quita en toda la película algo que hará felices a los aficionados al personaje, a Olivia Thirlby (La hora más oscura, Juno) que lo hace fenomenalmente y roba el protagonismo en muchas escenas a Urban, y sobre todo a Lena Headey que interpreta a Ma-Ma y que compone un papel de mala malísima a la que ya tiene acostumbrados a sus fans que la siguen en la serie Juego de Tronos donde interpreta a la mezquina Cersei Lannister.
El argumento de la cinta es de lo más sencillo, y sin duda recuerda a películas como La Jungla de Cristal o la más reciente The Raid, pero la historia funciona perfectamente como mera excusa para articular una serie de secuencias de acción espectaculares brillantemente rodadas que son la auténtica salsa de esta película, que va como un tiro en sus 95 minutos de metraje.
En el pase de prensa al que asistimos solo nos proyectaron en 3D los primeros 10 minutos de la cina, pero quizá merezca la pena su visionado completo en 3D, sobre todo por ver como unas líricas y bellas escenas de violencia rodadas a cámara superlenta, acompañadas de una sugerente banda sonora repleta de temas de música electrónica, pueden llegar a hipnotizar al espectador que creerá estar bajo los efectos de la SLO-MO.

El Dictador

El próximo viernes 13 de julio llega a las carteleras la nueva comedia protagonizada por Sacha Baron Cohen.
Tras el éxito de sus anteriores películas, Borat y Brüno, y tras participar como actor secundario en títulos tan destacables como el Sweeney Todd de Tim Burton y La Invención de Hugo de Martin Scorsese, el camaleónico actor nos presenta a un nuevo personaje: el General Aladeen, un tirano dictador que gobierna con mano de hierro la república de Wadiya.
Al igual que en sus anteriores películas, Baron Cohen continúa figurando como productor junto a Scott Rudin (La Red Social) y como guionista junto a Alec Berg, Jeff Schaffer y David Mandel (Seinfeld, Curb your enthusiasm), y sigue contando en las labores de dirección con Larry Charles, todo un veterano director de comedia que ha participado en sus dos films anteriores amen de haber participado en comedias televisivas de éxito como Seinfeld, Curb your enthusiasm y El Séquito.
Y con dos especialistas en comedia como estos, el resultado obtenido no podría haber sido mejor, ya que El Dictador es una de esas comedias en la que el espectador no parará de reír desde el primer minuto hasta los títulos de crédito.
El Dictador nos cuenta la historia del tirano General Aladeen, que tras recibir varios avisos por parte de la ONU de deshacerse de sus misiles nucleares y de instaurar la democracia en Wadiya, decide viajar a los Estados Unidos y mostrar su tajante negativa ante la ONU. Una vez en América, Aladeen se verá envuelto en una trama urdida por su tío Tamir, interpretado por Ben Kingsley, en la que sera reemplazado por uno de sus dobles, Efawadh, un pastor de cabras al que también interpreta Baron Cohen. Pero Aladeen no se dará por vencido y hará todo lo posible para que la democracia no llegue a su país al que oprime con tanto cariño. Despojado de su verdadera identidad, nuestro protagonista conocerá a la activista feminista Zoey, interpretada por Anna Faris y gracias a ella conocerá el verdadero sentido de la democracia.
El humor desplegado en el film es el humor marca de la casa del cómico inglés, al que ya nos tiene acostumbrados a sus fans que esperamos con ganas todo su arsenal de chistes vulgares, racistas, sexistas, escatológicos y obscenos, y en los que en esta ocasión no podían faltar sus ácidas parodias de famosos dictadores mundiales y sus afilados y certeros dardos a la verdadera democracia representada por los todopoderosos Estados Unidos de América.
A destacar los cameos de varios actores cómicos como John C. Reilly, Fred Armisen o Chris Elliott y por supuesto el de la prácticamente olvidada Megan Fox, que hace de sí misma en una escena muy divertida.
Solo me queda recomendaros que vayáis a ver esta película que sin duda se convertirá en una de las comedias del verano.

MIB3 (Men in Black 3)

Mañana llega a las pantallas españolas la tercera entrega de Men in Black, y como no podía ser menos se estrena en 3D. Esta nueva aventura de los agentes J y K, cuenta con prácticamente el mismo equipo: Barry Sonnenfeld en la dirección, Danny Elfman compone la ya mítica música y en los papeles protagonista snos encontramos con Will Smith y Tommy Lee Jones, muy bien acompañados en esta ocasión por Josh Brolin, que interpreta a un joven K en el pasado.
Como todo el mundo sabe o ya debería saber tras ver las dos entregas anteriores la historia de Men in Black está basada en los cómics del mismo nombre creados por Lowell Cunningham, que junto a otros guionistas de renombre como Etan Cohen (no confundir con Ethan Coen de los Hermanos Coen), o David Koepp participia en el guión de esta tercera entrega.
La historia es bastante sencilla y cuenta con varios elementos clásicos de las películas de ciencia-ficción como el tan socorrido viaje en el tiempo, que en esta ocasión y gracias a un excelente trabajo de producción artística nos permite ver como fue el año 1969, que es el año al que el agente J (Smith) debe viajar en el tiempo para evitar que se produzca una invasión alienigena, y también impedir que el  peligroso asesino alienigena Boris el animal asesine a su compañero K, y de paso conocer un secreto de su pasado que hasta ahora desconocía.
En cuanto al 3D hay que señalar que está muy bien aprovechado en algunas escenas puntuales, como la primera escena de la película en la que Boris se fuga de la prisión en la que está encerrado y sobre todo encontramos unas 3D en todo su esplendor es en la espectacular escena en la que Will Smith "salta" en el tiempo.
Los actores están realmente genial y da gusto volver a ver a Will Smith en forma, tras varios años en los que dejó un poco de lado su carrera como actor para centrarse en la emergente carrera como actor de su hijo Jaden. Poco podemos decir ya de Tommy Lee Jones que sigue bordando el personaje de K, que con esa cara esculpida en piedra sigue mostrando sin apenas aspavientos el caracter tan reservado del personaje.
A destacar las nuevas incorporaciones en las que encontramos a Emma Thompson que interpreta a la agente O, la nueva jefe de los Hombres de Negro y sobre todo a Josh Brolin, que  interpreta de manera magistral a un jovencito agente K, consiguiendo copiar todas y cada una de sus expresiones (o falta de ellas) faciales y es que podríamos decir que estamos viendo en pantalla a un joven Tommy Lee Jones recreado mediante técnicas digitales.
En definitiva, la película cuenta con bastante ritmo, no se hace para nada larga (dura unos muy justos 103 minutos) y se ve con bastante agrado gracias a que está plagada de chistes (algunos más graciosos que otros) desde el primer minuto hasta el último, y cuenta con varias escenas de acción bastante espectaculares.
Esta tercera parte no es la mejor de la (hasta ahora) trilogía, pero cuenta con el aliciente, con respecto a las anteriores, de que es en 3D y es bastante entretenida aunque el humor negro que habiamos visto en las dos entregas anteriores ha dejado su lugar a un humor algo más blanco dirigido a toda la familia.